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“The Commune” – Love is on decline.

The commune is one of the most important and magnificent film I saw this year. 

Thomas vinterberg’s “The commune” is a humorous yet painful portrayal of dis functional marriage and the pain of living together. 

Set in the mid-1970s and loosely based on the vinterberg’s own experiences, film follows the journey of a couple Erik and Anna (Ulrich Thomsen and a magnificent Trine Dyrholm) who decided to opt for community living as they can’t afford to live in their rambling mansion. 
So now the house full different people with different opinions and inclinations, create comic conflicts and dramatic moments which magnificently used to create much deeper subject based on how as human we react. 

Vinterberg comes from the ‘DOGMA 95’ moment and he efficiently used natural lighting to create the story in authentic way yet also gave us some surreal moments. 

There is Melodrama, contradicts among characters. 

This is the art of Thomas Vinterberg that he takes the viewer so close to the reality of certain relationships. The scenes among Erik and his daughter, between Anna and her daughter, between Erik and Anna are well crafted and intensely shot. 

The loneliness, needs and brokenness of a mid age, married, working wife is brilliantly portrayal by Trine Dyrholm. Dyrholm won Best Actress in Berlin for her performance.


I am a great admirer of her since I saw her in Vinterberg’s previous film on similar idea of get together called “The Celebration”. She is so amazing and bring all the layers to her character. The last time Danish director Thomas Vinterberg stuck a bunch of people under one roof in party spirits, and watched the situation implode, was for 1998’s Festen, the Dogme 95 drama


Similarly, Ulrich Thomsen as Erik, equally competitive against her as a lone husband in search of time and support. He find that support in the arms of Helene Reingaard Neumann, who is also married to Vinterberg. She is the most neutral character in the film and her character is responsible in making this film exceptional and unique.

A special mention for ‘Martha Sofie Wallstrøm Hansen’ for her incredible, haunting and cathartic role as Freja. 

Few subplots in the main story give more drama to feel the meeting scenes around table are good metaphors for us to re consider our ways of opinions and judgments. 

To watch trailer click on the link – 

The Commune official Trailer

. “Love is on decline in the world,” a character says in the end is truely went along with the film filled with mesmerizing moments, brilliant performances and marvellous filmmaking.

– Gursimran Datla 

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Why there are no Bressons, Truffauts, Tarkovaskies and Bergmans anymore ?

 

 

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The thought behind this article started last Saturday when one of my filmmaker friends asked me a question, in between the conversation on cinema and contemporary filmmakers.

He asked –

Why there are no great storytellers anymore?

Because there are no great lovers anymore.

I replied.

He looked at me and started thinking about it.

So I came home and note down the points which I think are obstacles in the path between films and filmmakers of the current generation.

Here are a few points I think which are the reasons why we don’t have that kind of remarkable storytellers today –

1 – Today – filmmakers have no opinion.

Today’s filmmakers want to play safe. They need money. so they work diplomatically. They don’t want to hurt anyone. They want to be in good books of everyone. They need funds.

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They appreciate government and officials, they didn’t resist to their policies, they don’t fight back. Moreover, today’s filmmakers don’t know the reason why they are creating certain stories.

Whereas a storyteller needs to question the contemporary times, environment and society. French filmmaker Jean-Luc-Godard influenced the whole narrative cinema by starting a different wave called french new cinema. He was a true rebel. He thrashed all the technology of so-called studio cinema and invent handheld camera technology. what Godard is to Cinema is what Joyce was to literature and the cubists were to painting. He saw a rule and broke it. Every day, in every movie.

 

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Here is a great link to case study in Godard Cinema –

http://www.tasteofcinema.com/2014/5-case-studies-of-jean-luc-godards-innovative-filmmaking-techniques/

2 – Today – filmmakers are frightened.

They don’t dare to touch controversial subjects, they get frightened by the particular community, fear of getting banned and caught by police as well as insecurity at the box office. These are the great threats for today’s filmmakers.

They didn’t go all the way to prove their perspective and neither they care about their perspective. And a filmmaker without perspective is a filmmaker wasted. Robert Bresson’s films are a great example of how to use film as a form to narrate your expression to the viewer, without letting them emotionally attached to it. His films are the great example of reflective art.

Here is the link to an essay written by Susan Sontag on the “Spiritual Style in the Films of Robert Bresson” –

http://www.coldbacon.com/writing/sontag-bresson.html

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3 – Today – All they care is – technology

 

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Today’s filmmakers spend all their time knowing and updating their anxiety about technology. They have all the information regarding new cameras, tech shows, audio recorders They want to have all the latest equipment but on the other end, they can’t justify their own films, their own film’s shots, and camera movements. They have one reason for that – It looks good.
Beautification and high color grading are killing the essence of cinema.

 

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Swedish filmmaker Ingmar Bergman spend all his life on an Island making films, theater plays and reading. He doesn’t have access to drones and goes pros. Believe me, cinema is much simple.

Here is a link to youtube, a beautiful essay exploring the themes of dreams in Bergman’s minimalist movies –

Today – filmmakers are ‘seller’.

today’s filmmakers spend all their energy in writing grants, impressing producers, giving pitches and attending unwanted film workshops. They present their idea as a product and also open space to manipulate it as producer demands. All they want is to sell their stories.

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They want to make “Beautiful shots”

Color correction and Auto-mode on camera are blessings for filmmakers. Now they capture clean neat beautiful shots with high color grading techniques. Naturally, more than the story you see the production value and camera movements.

people still get awestruck by the eight-minute long take in ‘weekend’ movie directed by Godard. Where as Fellini’s La Strada is an epic example of creating the story in an ill-designed world?

Today – filmmakers make noise not sound.

To make their film rich and costly, they try everything. They want to impress everyone. The filmmaker never makes a film to impress anyone, he challenges society. The film should challenge rich and show solidarity with oppressed people.

Quoting Tarkovsky – “Never try to convey your idea to the audience – it is a thankless and senseless task. Show them life, and they’ll find within themselves the means to assess and appreciate it.”
The filmmaker never makes a film to impress anyone, he challenges society. The film should challenge rich and show solidarity with oppressed people.

 

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So, I will close this article with some fantastic lines by Andrei Tarkovsky. This quote is an excellent answer to what is cinema, why it is not just a medium of entertainment and why do we go to Cinema.

 

ALL ART, OF COURSE, IS INTELLECTUAL, BUT FOR ME, ALL THE ARTS, AND CINEMA EVEN MORE SO, MUST ABOVE ALL BE EMOTIONAL AND ACT UPON THE HEART.

WHY DO PEOPLE GO TO THE CINEMA? WHAT TAKES THEM INTO A DARKENED ROOM WHERE, FOR TWO HOURS, THEY WATCH THE PLAY OF SHADOWS ON A SHEET? THE SEARCH FOR ENTERTAINMENT? THE NEED FOR A KIND OF DRUG? ALL OVER THE WORLD THERE ARE, INDEED, ENTERTAINMENT FIRMS AND ORGANIZATIONS WHICH EXPLOIT CINEMA AND TELEVISION AND SPECTACLES OF MANY OTHER KINDS. OUR STARTING POINT, HOWEVER, SHOULD NOT BE THERE, BUT IN THE ESSENTIAL PRINCIPLES OF CINEMA, WHICH HAVE TO DO WITH THE HUMAN NEED TO MASTER AND KNOW THE WORLD. I THINK THAT WHAT A PERSON NORMALLY GOES TO THE CINEMA FOR IS TIME: FOR TIME LOST OR SPENT OR NOT YET HAD. HE GOES THERE FOR LIVING EXPERIENCE; FOR CINEMA, LIKE NO OTHER ART, WIDENS, ENHANCES AND CONCENTRATES A PERSON’S EXPERIENCE—AND NOT ONLY ENHANCES IT BUT MAKES IT LONGER, SIGNIFICANTLY LONGER. THAT IS THE POWER OF CINEMA: ‘STARS’, STORY-LINES AND ENTERTAINMENT HAVE NOTHING TO DO WITH IT.

 

  • Gursimran Datla
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“Cyclo” and Cinema of Tran Anh Hung.

Lat year when I saw “Scent of green papaya” it changed my perspective in storytelling in Cinema. I loved that film and loved the screen-writing and cinematography of that amazing Vietnamese film. The scent of green papaya was directed by Tran Anh Hung, renowned Vietnamese-born French film director. That film was nominated for the best foreign film in Academy awards.

 

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Today I saw Cyclo ( 1995 ) another gem film directed by Tran Anh. In fact, Cyclo is the second film of Tran Anh. Cyclo is a story of a young Vietnamese man who struggles through life by earning some money with his bicycle-taxi in Saigon (now Ho Chi Minh City) establishes contact with a group of criminals. They introduce him to the world of drugs and crime. Tran has received an international name and claim for his films, especially his first three films which are entirely based on the lives at his home country. Cyclo won the Golden Lion at 52nd Venice International Film Festival.

Tran is well known to the western audience for his film “Norwegian Wood”, an adaptation from cult novelist Haruki Murakami’s book with the same name.

 

About Cyclo –

The movie is about an 18-year-old Vietnamese boy who has been orphaned after his father died from a crash. because of the family hardship, the boy has to take over the father’s job, pedaling a rental cyclo around busy streets of Sai Gon city to earn a living. Living with the boy in a small house, there is his old grandfather, who repairs tires, his little sister, who shines shoes for restaurant customers in the neighborhood, and his older sister, who carries water at a local market.

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Their poor but peaceful lives are shattered when the cyclo is stolen by a gang. Having no money to pay for the robbed cyclo, the boy is forced to join a criminal organization and is under the supervision of a brooding gang leader, who is also a poet.

Meanwhile, his older sister also comes under the influence of the poet and becomes a prostitute. They develop feelings for each other. She visits his house where he is beaten by his father, who is furious for the profession he has taken. The poet brings the cyclo driver to Mr. Lullaby, who kills a victim by slitting his throat while singing a lullaby.

Ho Chi Minh City is hit by unrest as different gangs start fighting with each other. A truck carrying a helicopter crashes on a busy city-street. The cyclo driver blinds one eye of the man who stole his cyclo, but manages to remain unseen by anyone. He pays another visit to his lady employer to pay a part of his debt, but she refuses and becomes busy with her retarded son who has covered himself with yellow paint.

The poet assigns the cyclo driver the job of murdering a man. His two accomplices give him a gun and teach him how to kill their intended target. They also hand him a bottle of pills to reduce his anxiety but warn him not to take too many. The poet and the cyclo driver’s sister visit his childhood place. He leaves her in a nightclub with a client and she is abused by the man. Both the poet and the man realize their mistakes and the man tries to compensate by bribing the poet with a hefty sum of money. But the poet kills the man and then kills himself by setting fire to the room where he lives.

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Meanwhile, the retarded son of the lady is killed when he is hit by a truck. The cyclo driver gets drunk and takes two tablets of the drug he has received from the poet’s accomplices. He becomes hallucinatory in the flat where he has been forced to stay, failing to carry out the job of killing the man. Instead, he covers himself with blue paint and then due to the hallucinations he mistakenly shoots himself twice. The next morning, the members of the gang find him badly injured but still alive, and the lady spares his life despite his failure because he reminds her of her deceased son. She releases him from the gang. The movie ends with the scene of the cyclo driver, still contemplating the memory of his father, driving his cyclo with his grandfather and his two sisters on it through a crowded road of Ho Chi Minh City. – WIKIPEDIA.

The film is very Gritty, depressing, raw and poetic. filled with docu-style, realistic and Sumptuous photography by Benoit Delhomme, who also photographed Tran Anh Hung’s THE SCENT OF GREEN PAPAYA.

In totality, Cyclo is filled with memorable moments, sad moments,  melancholy in the society of under-developing countries, and the daily life struggle of people living in worse conditions. Every city has a forgotten class of people, who exists in pathetic conditions and drive the whole machinery of a city. They do all the labor and menial services. Cyclo is a painting about those areas of the city. Film deals with the philosophy of nihilism and fatlism.

Special mention for the actress Tran Nu Yen Khe, who once again gave a marvelous performance after “The Scent of Green Papaya”.  married to the director Tran Anh Hung. She has been in all his films thus far, with the exception of Norwegian Wood. She is amazing and her performance rips your heart apart.

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Cyclo is a must-must-see for cine-lovers.  On the question of working in different languages, Tran hung said –

“I’m dealing with one thing: it’s the language of cinema; it’s a nation by itself,” he says. “So no matter if it’s in English or Chinese, it’s not important. So when you’re working with a French actor or a Japanese actor or a Vietnamese actor, it’s the same thing. We’re talking the same language: the language of cinema. It doesn’t depend on the language that you’re speaking in the movie.”

 

 

– Gursimran Datla

( – References – Wikipedia, IMDB. )

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The Seventh Continent- a failure of modern society.

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Touching the fragile issues of moving, living, surviving and dying, yesterday I saw the first directorial debut of legendary Austrian Director Michael Haneke’s “The Seventh Continent”. The Seventh Continent, also known as a pure existentialist tale in cinema, released in 1989 is an Austrian Drama film inspired by a true story of an Austrian middle-class family that committed suicide.

Haneke is often associated with cinema’s great modernists, with the filmmaker like Bresson and Antonioni. Haneke’s films document the failures of modern society on a variety of levels.

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The Seventh Continent is highly disturbing film made with the peculiar style full of close-ups where instead of characters’ faces, we see their hands, movements, and actions, we listened to their view of the breakfast cereals, shoes, and shopping. It should be boring but is instead gripping, a quiet build-up to the tragedy to come.

This film is about a dull middle-class family in Linz, Austria that opts for collective suicide rather than continues to “live” within the constricting, anti-humane monotony of everyday bourgeois society. The Story is shown in a series of short scenes going about their daily life over several years. The husband is an engineer, the mother an optician who co-owns the business with her brother. They have a bright, a subdued little girl.

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In the opening half an hour, Haneke avoids the direct involvement of Viewer and character to make it more cathartic. But after this anthropological detachment, we get a clear view of their faces and are then disturbing hints that all is not well. The wife begins to cry as they are driving through a car wash – a family ritual – and the little daughter frighten a teacher at school by pretending to be blind.

Finally, it becomes clear that the family is coming to a terrifying decision about the dullness and futility of their lives, which is finally anatomised in the most spectacular way. Haneke allows us to suspect, little by little, what’s coming and the experience is genuinely terrifying: and it is also deeply troubling to retrace the film once it is over, trying to pinpoint what was really happening in the adults’ heads, and when.

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Haneke is a master of absurd, dull and this kind of drama where he is more concerned towards the process than the result. I don’t think there is any greater cinematic interpreter of alienation exists in the world today than Haneke.

Depicting monotonous actions like counting of money at a supermarket, the distractions of television, the meaninglessness of work, the film reflects the powerlessness and secludedness of people in modern society. Haneke chronicles a family enslaved to the structures they have created, operating in a morass of emotional vacuity.

The Seventh Continent is a tragic announcement of the demise of a civilization.

 

  • Gursimran Datla
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Good morning, night – why can’t they rebel ?

1978 में इटली के इतेहास में वो समय आता है जब अल्डो मोरो ( प्रधानमन्त्री ) कुछ वामपंथी क्रांतिकारियों द्वारा बंदी बना लिया जाता है । लाल ब्रिगेड करके जाने जाती इस क्रांतिकारी फ़ौज ( जो के खुद को कम्युनिस्ट भी कहती है ) ने अल्डो मोरो के कई साथियों को मौत के घात उतार दिया। जब इस ब्रिगेड की जरूरतें नहीं मानी गयीं तोह उस प्रधानमन्त्री को भी मार दिया गया।
इसी ब्रिगेड की एक औरत मेंबर ‘चिअरा’ खुद को दो राहे पे खड़ा पाती है जहां वो क्रान्ति और आतंक के बीच का फर्क समझने की कोशिश करती है। Good morning, night इसी सवाल की कहानी है।

2003 में रिलीज़ हुयी इस इटालियन भाषा की फ़िल्म को निर्देशित किया है मार्को बेल्लूच्चिओ ने, जो इस से पहले “फिस्ट इन द पॉकेट” नाम की फ़िल्म से जाने जाते हैं।

 

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1978 तक इटली में लगातार 30 साल तक Christian-Democratic party (DC) का दबदबा रहा और Communist Party (PCI) को 1947 में ही सत्ता से बाहर कर दिया गया। उसके बाद हर साल 1970 तक PCI का वोट बैंक बढ़ता गया और यह इटली की दूसरी सबसे बड़ी पार्टी बन गयी। 70 तक लोग DC से परेशान होने लगे, उनके बदलाव की जरूरत महसूस होने लगी और वो PCI को विकल्प के तौर पर देखने लगे जो के कम्युनिस्ट विचारधारा रखती थी।

लेकिन ना ही तोह US और ना ही DC यह चाहती थी के PCI सत्ता में आये, उसकी विचारधारा के चलते।

अल्डो मोरो को बंदी बनाने के पीछे एक कारण यह भी रहा के वो DC और PCI के बीच एक पुल का काम कर रहे थे और लाल ब्रिगेड को यह ग्वार नहीं था। तोह मोरो के किडनैप होने पर सबसे ज्यादा ख़ुशी DC में ही मनाई गयी क्योंकि पूंजीवादी सरकार किसी भी हालात में साम्यवादी सरकार नहीं चाहती थी।
वो जहां मानवीय संवेदना और सामूहिक विचारधारा के प्रति वफादार होना चाहती थी वहीँ उसकी अपनी लाल ब्रिगेड, Working class के हाथ में सत्ता थमाने में विश्वास रखती थी। उनको क्रान्ति से ज्यादा विचारधारा से प्यार है।
सत्ताधारियों और दक्षिणपंथी लोगों पर अक्सर इतेहास से छेड़छाड़ करने के इल्जाम लगते रहे, क्या मार्क्सवादियों ने अपनी क्रान्ति के लिए कभी इतेहास को नहीं जोड़ा- तोड़ा ?

एक क्रांति क्या किसी एक सिद्धांत के साथ जुड़ाव रखने से हो सकती है ? क्या एक विचारधारा के प्रति वफादार होना क्रांति कहलायेगा ?
हर क्रान्ति अपने साथ बहुत सारा खून और लाशें ले कर आती है।यह हमने पिछले सदी में देखा। जीवित लोग मृत में तब्दील हो जाते हैं। ऐसे में क्रांतिकारी होने के लिए क्या चाहिये ?
क्रान्ति और आतंक में क्या फर्क है ?

क्या अब हम दुबारा किसी और क्रान्ति को झेल पाएंगे। हमने तोह कब्रें बनाने/लाशें जलाने की जगह तक नही छोड़ी। उसपर भी appartment खड़े कर लिए।

क्या सिर्फ नीचले तपने के/ या फिर मजदूर वर्ग को ही विद्रोह करने का अधिकार है ?
हम जिस पार्टी/विचारधारा के हैं क्या उसी से विद्रोह कर सकते हैं ?

हर कोई मरता है, पर सब का मरना एक सा नहीं होता। किसी की निर्णायक होती है तोह कोई बस, मर जाता है।

बचपन में हम सब बहुत धार्मिक होते हैं। धर्म एकता का पाठ पढ़ाता है, जैसे जैसे हम बड़े होते हैं हम देखते हैं के सबसे ज्यादा एकता का खंडन मज़हबी इलाके में ही होता है। तोह 25 तक आते आते मज़हब छूट जाता है। मरणो उपरान्त जन्नत/heaven का सिद्धांत भी सभी धर्मों में है। यह मानव मन में डर को बनाये रखता है।

आज एक मानव इसलिए जीवित है क्योंकि दुसरे मानव के मन में भय है। नहीं तोह कब से अपने साथ वालों को खत्म कर चुके होते।

Gursimran Datla

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Hungarian Cinema – समाजवाद और विरासत

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विश्व सिनेमा में हंगरी के सिनेमा की अपनी एक विरासत रही है। 1950 से 1960 के दौर को हंगरी सिनेमा का सुनहरी दौर कहा जाता है , और यह भी चर्चित है के उस दौर के बाद, बहुत जल्द हंगरी सिनेमा ध्वस्त हो गया लेकिंग अब बन रही हंगरी की फिल्मों के बिम्बों पर उस समय की समाजवादी विचारधारा आज भी कायम है। हंगरी की तरह ही इसके सिनेमा का दौर भी वैसा ही रहा। कठिनाईयों से भरा।
1968 में समाजवाद के दौर में आई हंगेरियन हिस्टोरिकल फ़िल्म “Stars of Eger” कामयाब मानी जाती है। इस फ़िल्म में तुर्क राज़ के अधीन हंगरी की व्यथा को दिखाया गया और तुर्की और हंगरी के बीच के युद्ध का भी वर्णन हुआ .जहां युद्ध में औरतों द्वारा दुश्मन फ़ौज़ पर उबलता पानी और गर्म मोम डाल कर उनको भगाया गया।

इसके साथ ही Istvan Szabo की 1981 में आई Mephisto फ़िल्म सबसे चर्चित हंगेरियन फिल्मों में से एक है। यह पहली अकादमी अवार्ड फ़िल्म भी है। यह फ़िल्म विश्व युद्ध जर्मनी के आस पास बुनी गयी।

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हंगरी में सिनेमा का सुनहरी दौर और फुटबॉल का सुनहरी दौर भी साथ साथ चले। उसकी puskas Hungary नाम से , हंगरी के बड़े फुटबॉलर पर फ़िल्म बनी।

जब जब विश्व के महान फिल्मकारों का नाम आये उसमें mikos jancso का नाम जरूर आएगा। 1967 में आई The Red and the white, 1972 में आई Red Psalm हंगेरियन सिनेमा को प्रभाषित करती हैं।

युद्ध त्रासदी और अन्याय को दिखाने के लिए हंगरी के फिल्मकारों ने कॉमेडी को भी माध्यम बनाया। इस मकसद से कई हंगरी की फिल्मों में ताने और विडम्बना आम नज़र आती है। सबसे अच्छी example रहेगी peter Bacso की The Witness, जो के उस दौर के समाजवाद पर एक कमाल का व्यंग्य थी।

हंगरी के सिनेमा की बात Bela Tarr की फिल्मों के बिना अधूरी है। रूसी फिल्मकार आंद्रेई तारकोवस्की के बाद अगर किसी निर्देशक ने वो स्थान हांसिल किया है तोह वो है Bela Tarr। 1994 में आई Satantago 450 मिनट लंबी फ़िल्म है जो के पूरबी यूरोप में समाजवाद के पतन पर आधारित थी। Almanac of fall, Werckmeister Harmoniak, The man from London जैसी फिल्में भी Bela Tarr की देन हैं।

1960 से 1970 का दौर हंगेरियन सिनेमा के लिए नयी ख़ुशी ले कर आया । नयी सोशलिस्ट सरकार ने फिल्मकारों कलाकारों को कई प्रकार की कलात्मक छूटें दीं। फ़िल्म स्टूडियोज पर फिल्मकारों ने अपनी धाक जमानी शुरू की जिससे फ़िल्म विशुद्ध कला के रूप से बन पाये। तकनीक सस्ती होती गयी, सेंसर ने भी कम फिल्मों को सेंसर करना शुरू किया तोह लोगों की भी सिनेमा घरों में आमद बढ़ी। हंगरी के सिनेमा में नौजवानों को बढ़ावा देने में ‘balazs bela studio’ की भी ख़ास भूमिका रही जिसने कई नए फिल्मकारों को मौका दिया।

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उस दौरान हंगरी का सिनेमा पश्चिमी आधुनिकतावाद से प्रभावित रहा लेकिन उसके साथ चेक सिनेमा, पोलिश सिनेमा और फ्रेंच सिनेमा से भी कुछ तकनीक और narrative styles को follow किया गया।

आज के वक़्त में अंतर्राष्ट्रीय फ़िल्म समारोह में पहुँच रही कई हंगरियन फिल्मों ने वहाँ के सिनेमा को दुबारा जीवित किया है। इस साल हंगरी की फ़िल्म “son of saul” को ऑस्कर अवार्ड मिलना इस मुल्क के सिनेमा के लिए रहत की बात है। फ़िल्म प्रेमियों और इंडिपेंडेंट फ़िल्म कंपनियों की नज़र अब हंगरी के सिनेमा पर है।

 

Click here to Read my article on ‘Son of Saul’.

 

 

Gursimran Datla

 

 

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चेक सिनेमा और व्यक्ति प्रेम -The Joke

The Joke, 1969 में आई एक महत्वपूर्ण चेकस्लोवाकियन फ़िल्म है जो ‘चेक न्यू वेव’ सिनेमा आंदोलन की आखरी फिल्मों में से एक है। यह फ़िल्म चेक सिने इतहास में एक मील का पत्थर है जो अपनी सिनेमेटोग्राफी और सम्पादन की कला के कारण विश्व की सर्वोत्तम फिल्मों में शामिल है। फ़िल्म,स्टालिन के दौर में साम्यवाद ( कम्युनिज्म) में मौजूद दोगलेपन और खोखली व्यस्था के तत्वों को बड़ी ही सूझता से परदे पर उतारती है।
फ़िल्म ‘मिलान कुंदेरा’ के नावेल पर आधारित है और फ़िल्म के निर्दर्शक हैं ‘जेरोमिल जिरेस’ ।

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यह फ़िल्म 1968 में बनी जो के स्लोवाकिया में creative freedom का आखरी साल था। उसके बाद वहां मिल्ट्री राज लग हो गया और यह फ़िल्म लगभग बीस सालों तक सिनेमा हॉल का मुंह नहीं देख पायी।
‘लूडवीक’ नामी अधेड़ उम्र का अविवाहित व्यक्ति अपने छोटे से नगर लौटता है जहां वो communist revolution के समय के दौरान, हड़तालों और क्रान्ति के नारों की आवाज़ों के बीच पला बढ़ा।
उस नगर पहुँचने पर उसे 15 साल पहले का वाकय याद आता है जब उसे कम्युनिस्ट पार्टी से क्रान्ति के विरोध में चिठ्ठी लिखने की सज़ा में पार्टी से बर्खास्त कर दिया गया था। दरअसल वो चिठ्ठी एक प्रेम पत्र था जो लूडवीक ने एक लड़की के लिए लिखा था, जो के उसी पार्टी की कार्यकर्त्ता थी ।
वो उस लड़की से सेक्स करना चाहता था। लेकिन लड़की काम से ज्यादा राजनीती से प्रेम करती थी।
फ़िल्म के निर्देशक जेरिस उन घटनाओं को दिखाने के इरादे से फ़िल्म बनाते हैं जो स्टालिन के आर्डर ना मानने वालों पर तषदद को दर्शाते हैं। “The joke” बिकुल सीधे प्रत्याग और उपहास की कहानी है जो आम नागरिकों को धक्के से जेल में डालने की गाथाओं से भरी है।

15 साल बाद (मौजूदा समय) लूडवीक की अचानक मुलाकात उसे सज़ा सुनाने वाले आदमी की बीवी से होती है। अब पाला इसकी तरफ है। यह उस से इश्क़ लड़ाता है।

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The Joke ऐसे कई व्यंग्यों से भरी पड़ी है, आज़ादी के गाने की ऑडियो चलती है, मज़दूर के विसुअल्स के साथ चलते हैं। ऑडियो में समर्थ, ख़ुशी और आज़ादी की ध्वनियाँ सुनाई दे रही हैं, चित्रों में लेबर कैंप और फ़ौज की जेलों के बिम्ब चल रहे हैं।
कुल मिला के यही हालात जैसी अब भारत की है। जो हिंदुस्तान की मौजूद स्थिति है वो भी किसी व्यंग्य से कम नहीं है। टॉलरेंस, इनटॉलेरेंस, देशभक्त इत्यादि।
फ़िल्म में इंटेरकट्टिंग तकनीक से इस्तेमाल हुए दृश्य कमाल के हैं जो फ़िल्म को बांधे रखते हैं।
चेक सरकार कैसे अपने ही नागरिकों का शोषण करती रही यह बेहतरीन है।
लूडवीक का अपने पुराने उमदराज हो चुके दोस्त से मिलना, जो 20 साल की लड़की से प्रेम सम्बद्ध रखे हुए है, The Joke, चाहत और सच्चाई पर तगड़ा व्यंग्य है। फ़िल्म लौकिक दृष्टि से बुनी गयी है जहां समय को एक विस्तार दिया गया है।
कम्युनिज्म और मिल्ट्री राज के साथ साथ फ़िल्म एक अस्तित्ववादी परिभाषा भी गढ़ती जाती है जैसे बदला ना ले सकने की हालात में इंसान का समय को भोगना, बिना समझे कुछ भी नहीं मानने का जोखिम और सच्चाई का पक्ष लेते लेते लोगों से दूर होने की पीड़ा।
इस फ़िल्म में बहुत कुछ है जो मानवी संवेदना और दर्द की कहानी कहता है जो विश्व के किसी भी आदमी के साथ घटित हो सकती है। यही बात इस फ़िल्म को सरब व्यापी बनाती है ।
फ़िल्म के निर्दर्शक जेरोमिल जिरेस व्यंग और अनुभूति वाला सिनेमा रचने में माहिर हैं।
फ़िल्म की लिखाई कमाल की है। जैसे एक सीन में कहा हैे के “आज को भरपूर जीने के लिए इतहास के जख्मों को याद रखना चाहिये ” या फिर “जीवन में की गयी चलाकियां कई बार घूम कर खुद पर ही आ पड़तीं हैं।”
1965 से 1968 के साल चेक सिनेमा के लिए बहुत ही महत्वपूर्ण रहे । जहां इस दौरान जबरदस्त सिनेमा बना वहीँ पर चक न्यू वेव भी लेहर भी दौड़ी। “वेरा चयतिलोव” की ‘daisies’ इस दौर की महत्वपूर्ण फ़िल्म है। इस के साथ साथ “जिरी मेंजेल” की ‘capricious summer’ भी देखने लायक है।
जाते जाते फ़िल्म का एक डायलाग जो आज के समय पर पूरा फिट बैठता है –

“We lived in a prison with brass bands playing on the balconies.”

 

– Gursimran Datla